¿Y qué si después de todo puedo recorrer el mundo sin moverme de una silla? ¿Y qué si la imaginación pudiese, en verdad, explorar mil millones de veces las cosas que nuestros pensamientos pesados y torpes se esfuerzan en negar? Pero aún así continuamos fervientemente con nuestra obstinación, con esa capacidad tan sensata de conformarse con que la magia no existe…

¡Que la magia no existe!

Pff es mucho más fácil esto que intentar reír. Y cuánto más fácil que intentar hacer reír a los demás riéndose de la propia realidad.

Piedra Libre

La obra

Giro Giro Tondo es un espectáculo teatral dirigido a un público infantil (unos siete años o menos), también es un viaje saturado en colores y metáforas visuales, es un vuelo mágico a la imaginación, una ironía del mundo real y una burla burda y cruel para las mentes estructuradas. Y para argumentar mis palabras ante lo que puede parecer un exagerado uso de la hipérbole, puedo decir que la obra, de principio a fin, muestra un manejo del detalle que en un caso normal exigiría un grupo de trabajo de unas quince personas mínimamente. Pero no son quince. Son Cuatro. Y siendo cuatro exprimen el jugo de cada escena, de cada figuración, del movimiento más intrascendente del más intrascendente  personaje, hasta el manejo del concepto de la obra misma.

Micaela Picarelli

Guillermo Otalora

Absolutamente todos los elementos que componen la comedia son objetos con un fuertísimo poder de estímulo sobre la imaginación, ya sea por su forma, sus colores o su función. Es el caso, por ejemplo, de la vestimenta y los disfraces, del maquillaje, de los dragones, los monopatines, las banderas, los mapas, los cofres y hasta el mundo mismo (juro que no exagero). Y para completar lo que ya de por si parece suficiente, todo esto se encuentra perfectamente escoltado con una selección musical que va desde Kusturica hasta la música de El Padrino. Incluso podría decir que la obra tiene carácter de musical, pero lamentablemente el elenco nunca cumple con la expectativa que genera en el público de lanzarse a cantar. Este quizás sea el punto negativo más fuerte que pueda encontrar.

Mercedes Flamma y Florencia Fiori

No soy ni de cerca un crítico de teatro y mis recursos para criticar tal cosa se reducen básicamente al hecho de que la obra me haya gustado o no. Es más, podría decir que no vi suficiente teatro en mi vida como para siquiera lanzarme a hablar del tema. Sin embargo, esto es diferente. Este caso particular me hace trascender de lo que pueda decir sobre una actuación, o un argumento o lo que sea que sea o se pueda decir. Desde el momento en que se apagaron las luces, el sábado pasado cuando fui a ver la obra, y saltaron a escena esas cuatro personas, todo cambió, mis expectativas quedaron titánicamente aplastadas por lo que mis ojos estaban presenciando. De un momento a otro pude ser testigo de cómo ellos cuatro conquistaban el mundo en un escenario que no superaba los cinco metros cuadrados.

No puedo determinar exactamente si la magia de todo residía  en el espíritu “casero” de la obra, del “todo a pulmón” que emanaba por doquier en cada detalle ínfimo, o si en verdad lo que estos chicos hacían frente a mi no es menos que un diamante en bruto que podría difundirse de un día para otro por todo el país bajo una superproducción teatral. Tampoco puedo terminar de entender si lo que estaba viendo era fruto de la casualidad, de alguna inspiración fugaz que lo hacía realmente increíble, o si en verdad lo que estaba pasando era el completo fruto de un cambio de perspectiva o de una genialidad.

Los genios

¿Que decir de esta muchacha artista y fotógrafa que nos regala esta pequeña porción de su obra? Primero que como toda artista (de los reales, no de esos que se lo dicen o se creen) su visión no se limita a un aspecto meramente técnico sino que va mas allá. En este caso, la fotografía es su artificio a través del cual muestra lo que le pasa, lo que le gusta, lo que ve y lo que la mueve. Pero todo eso seria tan vació si fuera de esas personas que van por la vida creyendo que existe una única verdad y una sola manera de ver las cosas (y por supuesto, ellos la poseen). Al ver sus fotos se ven sus variados y exquisitos gustos: la música, el cine, la literatura, la pintura y demás se vislumbran en su particular punto de vista y dan lugar a buscar y profundizar en su obra para poder finalmente encontrar, justamente, esas geniales influencias.

Con un estilo totalmente vintage, nos lleva a recorrer ciudades, pero no con tinte de referencia periodistica, sino mas bien como una universalizacion de estas (no se muy bien en que lugares son estas en particular pero pueden ser de Buenos Aires, Quito o alguna ciudad europea) al resaltar eso que las une a todas: la cultura. El concepto aparece aun siendo de diferentes fechas, lugares pero con una sola mirada, una sola idea, la de ella.  De esas que faltan hoy en dia, propias y originales.

Tambien se puede decir, y a tono con la epoca, que te invita a tomar un vistazo a su vida, muy autobiografico y realityshowesco, pero de la manera mas cool posible, sin pose, sin falsedad, sino mas bien con conexion a eso que pasa en paralelo a lo fisico. Para colmo sus recursos tecnicos apoyan en demasia el trabajo que realiza desde el interior de sus ser, por lo que a mi parecer, estas fotos puede exteriorizar bastante (no creo que se agote en esto) de lo que tiene para mostrar a este planeta! Invito a que miren, admiren, comenten y disfruten de su mundo!

Critica por Leandro Orella (@leanorella)

Fotos y arte por Nessa Teran Iturralde (@nessateran) Flickr para mas fotos: http://www.flickr.com/photos/quietisthenewloud/

En fin, hace algunos días me puse a pensar acerca del arte como concepto. Descubrí que se me hacía muy difícil definir aquello que ocupa gran parte de mi tiempo y de mi interés. Evidentemente el arte es un concepto que se presta a múltiples definiciones, cada una tan diferente de la otra como las personas que las pueden dar. Además, para trabajar en ella habría que dedicarle un largo tiempo de estudio filosófico, del cual carezco. Pero esto no puede detener a nadie de intentar crear un propio entendimiento del tema,  ya que no es necesario saber filosofía para poder pensar.

Sería un error empezar la búsqueda en el diccionario. Este tipo de conceptos exigen mucho más que una definición puramente semántica dirigida al uso habitual, cotidiano o aún literario. Para ejemplificarme: La Real Academia Española define la palabra Arte como:

“Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.”

En primera instancia parece suficiente, pero sin embargo es incompleta y en algún punto capciosa. ¿No podemos llamar arte a la actuación, la fotografía o la danza? Estos planos artísticos, como tantos otros, pueden obviar los recursos plásticos, los lingüísticos o los sonoros. Además, ¿A qué se refiere con “desinteresada”?, artistas como Bob Dylan o Charles Chaplin no estarían de acuerdo con este punto. Y para seguir agregando divergencias: ¿Qué hay del proceso de recepción que hace el oyente, el lector, o cualquier tipo de público? Esta etapa también participa en el desarrollo de cualquier obra, formando parte de ella y completándola (Por ejemplo: Si veo “Willy Wonka y La Fábrica De Chocolate” le voy a dar otro significado a la obra del que podría darle un nene de 9 años), por lo tanto también es arte.

Entonces, antes que nada, deberíamos ver la idea desde su función práctica. Podríamos incluso arrancar pensando que el arte en definitiva sí es una manifestación humana como muy bien lo decía nuestra Real Academia. En cualquier tipo de obra, el artista se manifiesta, específicamente, en un plano sensorial. Por esta razón, para tener acceso a un despliegue artístico necesitamos de algún sentido que avale la pieza. Ahora bien, claramente no todas las manifestaciones sensoriales del ser humano son obras artísticas, del mismo modo que no todos los estudios sobre hombre son estudios médicos. Para entender lo que estoy diciendo, habría que pensar en el arte así como si fuese una ciencia. Si el objeto material de estudio del arte fuesen las manifestaciones del ser humano, el objeto formal de estudio sería la belleza. Cualquier tipo de medio artístico hace uso de la estética para jugar de algún modo con la idea de belleza, que no es tan solo aquello que es agradable a alguno de nuestros sentidos, sino que es un concepto complejísimo que sale en lo absoluto de esa definición. De no ser así, por ejemplo, al ver un cuadro de de Kandisnky diríamos que es todo menos arte (de más está decir que esto es un error ridículo).

Composition VIII (1923)

Personalmente creo que la belleza es un entendimiento subjetivo de la realidad. De este modo, la belleza como algo objetivo no es algo que se aplique a todos los gustos de una manera universal. Está claro que lo que le gusta a uno no tiene por que gustarle a otro. Sin embargo, el hombre no posee de forma congénita las herramientas necesarias para el entendimiento de la belleza como algo abstracto. E incluso puedo arriesgarme a decir que el hombre no posee de forma congénita ni el desarrollo sensitivo ni la capacidad de abstracción que exige la percepción de la belleza en sus distintos niveles. Para ponerlo en un ejemplo un poco más práctico: Para un chef de la alta cocina es mucho más fácil gustar del sabor de una casuela de mariscos o una paella de lo que le puede resultar a un niño. Así vemos que la belleza es una realidad perceptible, aunque no de la misma forma para todos. Esta capacidad de percibir la belleza se encuentra en el nivel de educación que tengan los sentidos y del entendimiento de lo que la belleza es como abstracción final para cada individuo, lo cual tiene que ver con el contexto social y cultural donde este se haya desarrollado. Así, la belleza juega con funciones psicológicas muy profundas que se han establecido en el inconciente de cada persona por influencias externas, como la sociedad, e internas, como puede ser la misma personalidad del individuo.

Estos modelos de belleza pueden ser manifestados por los seres humanos por dos tipos de vías, las de simple acceso al entendimiento o las del complejo acceso al entendimiento. El uso de las vías de simple acceso no requieren de herramientas culturales o artísticas profundas para ser entendidas. Su entendimiento no posee partes sino que está unificado en una misma idea. Por esta razón no es difícil gustar de una canción de cumbia o reggaeton debido a que ellas, en lo general, nos exigen una capacidad de abstracción muy básica, su finalidad caduca en el deleite de alguno de nuestros sentidos. En cambio, el uso de las vías complejas exige un desarrollo personal del concepto de la estética que brinden las herramientas necesarias para el entendimiento de la belleza, que este tipo de manifestación posee implícitamente.

Así es como el nivel artístico de cualquier pieza depende del nivel de complejidad de la idea que el artista pretende sugerir, lo cual nada tiene que ver con que la pieza sea simple o no. En esta sugerencia radica el punto central para lograr una definición de arte. Por eso podemos decir, para finalizar, que el arte es una manifestación humana que haciendo uso de la estética pretende sugerir una idea subjetiva y particular de la realidad.

Entre parciales, gripes y miles de actividades (y otras cosas) pasando, no estoy en forma como para realizar el próximo post bíblico por eso vengo en forma de playlist. Con algo de lo que estuve escuchando que como se irán dando cuenta, no tiene ningún orden o sentido lógico, caos ordenado. Aunque sin orden en realidad. Solo por esta vez me permití que fuera algo realmente random, pero de todas maneras pueden buscarle un sentido porque yo la tengo, solo que no se las cuento.

Las canciones incluyen cosas grosas de David Bowie, The Who, The Clash, The Faces, John Mayer (covereando Kid A), Sonic Youth, Interpol, The Pixies, Radiohead, The Smiths, Sigur Ros, The Kinks, Joy Division, John Lennon, Bob Dylan, Creation así como también cosas sorprendentes de gente con poca fama por estas latitudes como Phoenix, Death Cab For Cutie, Department of Eagles, Sarah Blasko, Of Montreal (que barretteano que suena eso), The Morning Benders, Kevin Shields, Violent femmes, The Filthy Youth (si, la banda del tipo “malo” (Chuck Bass) de “Gossip Girl” jajaj) entre muchos otros. AH! También esta el nuevo single de los Arcade Fire “The Suburbs” y “Month of May”. Bueno, basta de palabrerio, ahora les dejo el mix que lo hice en la genial web 8tracks, donde pueden crear mix y son catalogados ustedes como djs y la gente viene y los escucha. Bueno ustedes también hacen lo mismo, van y escuchan, en este caso a mi. Las reglas: No mas de dos canciones del mismo autor, no mas de dos de un mismo álbum y que sean ocho o mas canciones. Luego, el caos pasa reinar y deleitar.

Ah, me olvidaba, esta play tiene un gran influencia (así parecida a la de Coldplay con U2, Brian Eno, Radiohead, etc jajaj) de la banda sonora (OST) de “Rushmore“. Peliculón de Wes Anderson que hoy tuve el agrado de escuchar su recomendación en la radio (mi palmada virtual para Santiago Calori de “No Somos Nadie” de la Rock&Pop 95.9). Si pueden, no duden en mirarla y apreciar un poco mas de ese esplendido director de cine bien pero bien actual. Un aplauso tambien para Bill Murray y Jason Schwartzman.

Rushmore de Wes Anderson

Y para si quieren, pueden ver una de las mejores escenas de la movie, uno de esos momentos increibles del cine: La pelea entre los personajes de Jason y Bill al ritmo frenetico de los fabulosos Who!

www.youtube.com/watch?v=qRpie9ta-Ao

Es muy común cuando me gusta demasiado una banda o un disco hacer una especie de investigación para conocer a profundidad quienes estuvieron detrás de la creación o concepción de un disco o sino quien o quienes fueron los responsables del salto de calidad de una banda, de la evolución en su sonido. Solemos decir que la banda mejoró, evolucionó, dio una vuelta de tuerca o simplemente se pusieron serios.

Esto, en muchos casos, no hace justicia a ciertos personajes que influyeron a un grupo en particular y les hicieron crecer de repente o tal vez ayudaron en un disco significativo. Estoy hablando de los productores pero también de los ingenieros de sonido. Esta gente por regla general no es reconocida por su labor detrás de la banda, detrás de la escena musical. Hay casos en los que puede que un productor sea reconocido en el medio o círculos artísticos pero no a los ojos de los miles de fanáticos que cantan o alaban determinada banda o canción.

George Martin y los Beatles creando Sgt. Pepper...

Ciertamente no nos fijamos en esos detalles y simplemente disfrutamos de la música. ¿DEBERIA ACUSARSENOS “CULPABLES” POR ESO? Claro que no, pero en esos instantes en los que la euforia de una canción o álbum termina y da paso al deleite por lo escuchado, es momento de pensar cómo semejante obra o grupo se convirtió en lo que es. Los héroes no nacen, se hacen. Y en ese “hacer” muchos productores les han cambiado la cara a más de un grupo o han hecho realidad el deseo de una banda de convertirse en mucho más, transformándose ellos mismos en un puente entre las aspiraciones y la realidad.

Pero estos señores, que habitan en los círculos musicales desde el comienzo de la música como negocio, no sólo son victimas del no reconocimiento sino que también son perseguidos por un buen número de fans. Históricamente han sido vistos por los fanáticos como “vende patrias” o de “quemar” a un grupo para comercializarlo y hacerlo apto para las masas. Son acusados de ser “músicos fracasados” cuyo trabajo no es más que decorativo y si supieran más de música harían las cosas por su cuenta. Todos estos ataques se fundamentan en la idea de que “las bandas son grandes por sí solas” y no necesitan de terceros para componer música o sonar de una manera en particular.

Por eso este escrito es uno de esos momentos de los que estoy habando. Es hora de reflexionar, quizá rendir tributo o simplemente informar a los amantas del rock sobre los ayudantes, escuderos o gurus de la música que sirvieron a la causa y no tienen los flashes encima o siquiera comentarios y libros dedicados a ellos.

Los mortales capaces de crear rock, por obra y gracia de los dioses, nos han dado múltiples formas, colores, ramas, sub-géneros o como quieran llamarles para nuestro placer y es justo y necesario que viajemos y nos detengamos aunque sea un poco en alguna de las tantas distintas posibilidades del rock para vislumbrar alguno que otro personaje cuya contribución es innegable a la hora de hablar de hermosas melodías que cambiaron nuestras vidas para siempre.

EDDY OFFORD: Señor Inflado

Para los amantes del rock progresivo, aquellos puristas que solo escuchan lo “clásico” (principalmente la rama del “Sinfónico”), este señor tiene mucho que ver con dos de las mejores bandas del género: Yes y ELP. De Yes fue el co-productor e ingeniero de sonido, mientras que de ELP fue su ingeniero de sonido.

Estas dos bandas son reconocidas por llevar a limites insospechados su música, son grandilocuentes, exagerados, autoindulgentes, majestuosos pero por sobre todas las cosas INFLADOS. Una “proghead” (fundamentalista del progresivo) me dijo una vez: “Yes de algo tan sencillo como una pieza musical de 2 minutos te arma un disco conceptual de 2 horas y media donde el tema del álbum gira en torno a los muebles victorianos del silo XVII”.

Gerald Chevin, Jeff Lynne junto a Eddie Offord

Eddy tenía que lidiar con músicos que siempre quisieron llevar las cosas a niveles imposibles, que incluso podían llegar a cansar. Eso, sumado al hecho de que es conocido por todos que si de egos grandes se habla no hace falta más que ver dentro del rock progresivo para encontrar los más grandes exponentes, convierte a Eddy en un personaje bastante singular capaz de trabajar en condiciones extremas y digno de admiración.

Este señor emprendió un viaje con ambas bandas que solo conocía una sola dirección: hacia adelante. Si se hace un repaso breve por la discografía se podrá apreciar claramente esta evolución musical de la que hablo. Empezaron como bandas que tímidamente combinaban elementos haciendo algo diferente pero sin dar rienda suelta a su potencial y con cada año que pasaba, con cada disco iban definiendo una identidad, un sonido y un genero que marco una época importante dentro de la historia del rock convirtiéndose así en monstruos, bestias imparables que por un breve período de tiempo dominaron al mundo.

Su figura se agranda al descubrir que formó parte y es responsable, hasta cierta medida, de discos tan esenciales en la historia del rock progresivo habiendo trabajado sólo con 2 grupos dentro del género.

Con ELP trabajó en “Emerson, Lake & Palmer”,”Tarkus”, “Pictures at an Exhibition” y “Trilogy”. En un guiño de cariño hacia Eddy en su disco “Tarkus” ELP escribió el tema “Are You Ready Eddy?” basándose en los arreglos de Bobby Troup de la canción “The Girl Can’t Help It”.

Fue el ingeniero de sonido/productor de Yes en “Time and a Word”, “The Yes Album”, “Fragile”, “Close to the Edge”, “Tales from Topographic Oceans”, “Relayer”, “Drama”, “Union”.

Cuenta la leyenda de que una de las canciones mas famosas de Yes, “Close to the Edge”, en un principio solo eran partes sin mucha relación y fue por idea e insistencia suya que las juntaron y compusieron los puentes instrumentales para que la criatura cobrara vida. Un entendido en la materia sabría que lo que digo no es poca cosa.

También en los 80 fue el productor del álbum debut de Pallas “The Sentinel” que es considerado uno de los discos más importantes y además pionero del Neo-Progresivo.

GEORGE MARTIN: El Padre

El grandioso Sir George Martin

Un artista en todo el sentido de la palabra. Además de ser productor también cumple funciones de arreglista, compositor y músico. Es el responsable de que los Beatles pudieran hacer realidad sus deseos sónicos y de ampliar las posibilidades hasta donde diera la cabeza. Cuando pienso en él se me viene la imagen de un puente ya que de un lado tenés el talento innato de los Beatles y del otro lo que querían lograr y fue él quien tuvo la visión y la inspiración para lograr que ellos transitaran ese recorrido de una manera brillante.

En mas de una entrevista ha contado que cada vez que ellos venían con alguna idea para llevarla a cabo todo se paralizaba para hacerlo posible. Un día Lennon llegó con la descripción de un sonido en particular que buscaba y a George Martin se le ocurrió implementar un peine frotándolo contra una superficie para así conseguir el sonido, pasaron más de 45 minutos buscando el bendito peine.

Que su influencia dentro del grupo fue gigantesca de eso no hay duda y son pocos los que se atreven a no llamarlo el “quinto Beatle”. Siempre estaba buscando la manera de que la música de los Beatles tuviera otro matiz, que llegara al alma de una manera especial. Ciegamente confió en el talento de aquellos muchachos pero agregaba su toque a la mezcla para asegurar que no pasaran desapercibidos. Es un sujeto que los tomó en su estado inicial y los fue nutriendo de a poco hasta que ellos se convirtieran en verdaderos artistas con ambiciones de más y de mejor. Cuando hablo de esto me refiero más que nada a esos primeros años en los que a pesar de ofrecer música mas que genial, no habían explotado aún (musicalmente hablando) y cuando lo hicieron ahí estuvo presente George para facilitárselos y complacer cada uno de sus delirios. (Lennon a Martin: “Quiero sonar como el Dalai Lama en la cima de una montaña”, en “Tommorow Never Knows”)

George Martin y los Beatles en la epoca Sgt. Pepper...

Su contribución al sonido de la banda se puede apreciar en sus maravillosos arreglos. Casi todos los arreglos orquestales de los Beatles vienen de este señor ya sea escribiéndolos o tocándolos junto con la banda. Además él se encargaba de tocar el teclado en algunos temas de sus primeros discos. Sin él no habría un cuarteto de cuerdas en “Yesterday”, tampoco ese solo de trompeta en “Penny Lane” (McCartney le tarareo a el sonido que quería a Martin y él lo escribió) y mucho menos el acompañamiento de cuerdas en “Eleanor Rigby”. Es para destacar también que junto con McCartney se encargó de implementar y dirigir el “in crescendo” de vientos en “A Day In The Life”. En resumen, es imposible no disfrutar con esos “toques” suyos que elevan las canciones de los Fab Four a otro nivel.

Los Beatles tenían un respeto y cariño hacia él y lo escuchaban cuando tenían que tomar una decisión acerca de la dirección de una canción en particular porque sabían con quien estaban hablando. Se podría decir que lo consideraban como un padre y trataban de no hacer delante de él nada que le pudiera llegar a disgustar. Un vez decía que durante la época de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” los Fab Four se iban fuera del estudio a ingerir drogas porque les daba vergüenza hacerlo frente a él pero él no era ningún tonto y se daba cuenta de ello.

Sacando de lado lo puramente musical creo que hay dos cosas que me hacen decir que este personaje sabe de lo que esta hablando. Por un lado, para el momento del “White Album” él fue contratado como arreglista y no produjo el disco en su totalidad lo cual explica además de el hecho de ser un álbum doble y del momento de la banda, el porqué suena tan desunido y faltando de cohesión. Posteriormente a la grabación del disco él cuenta que insistió sin respuesta en que redujeran las canciones para hacer “un solo disco pero fuerte”. ¿Se imaginan que hubiera pasado si hacían caso? No es que el “White Album” sea un disco malo pero comparto su visión. También es genial cuando los Fab Four le pidieron que produjera esa maraña de canciones sin orden y sentido que era “Let It Be” y el les dijo que así no trabajaba y que si querían hacer algo con él tenían que empezar de cero. Acto seguido graban “Abbey Road” y todos sabemos lo que vino después.

George Martin en los estudios Abbey Road con los George, Paul y John

George Martin es visto como un productor que pudo equilibrar más que bien el vender el producto de la banda y no perder la esencia artística, la marca de la casa asegurando que cada cosa que hacían los Beatles no perdiera ni un gramo de quienes eran ellos. Eso es mas que difícil teniendo en cuenta los mil y un giros musicales que daban con cada disco, cada canción que le regalaban al mundo. Creo que esto se observa bastante bien en un detalle, su vestimenta y apariencia. En todas las fotos lo ves o de traje o de camisa, siempre arreglado con su pelo engominado y con expresión seria. Este era un hombre que no bromeaba sobre su trabajo, que se metía de lleno en el negocio de la música pero siempre cuidando el producto nunca comprometiendo ni sus principios ni los de la banda/artista con quien trabajaba.

Las mayores virtudes de este señor se ven más que nada en lo que llamo la “segunda mitad de los Beatles”, a partir de “Rubber Soul”. Si bien antes había hecho una labor impresionante, su trabajo más excepcional vino en los discos post “Rubber Soul” donde empleó muchos recursos de estudio para hacer de los Beatles una banda pionera, revolucionara y vanguardista.

También trabajo con Jeff Beck (“Blow by Blow” y “Wired”), Mahavishnu Orchestra (“Apocalypse”) y America (“Holiday”, “Hearts”, “Hideway”, y “Harbor”) por mencionar algunos artistas.

BRIAN ENO: El Mago

Su carrera comenzó con uno de los grupos más peculiares que hayan estado en escena: Roxy Music. Durante esa época cumplía la labor de hombre del sintetizador y se encargaba de sus famosos “treatments”. Con el grupo estuvo envuelto por dos álbumes y se distancio por diferencias con Bryan Ferry. Posteriormente se dedico a su carrera solista y hacer discos con otros artistas en lo que seria una larga lista de colaboraciones con el correr de los años. Dentro de esos artistas encontramos a Robert Fripp, John Cale, David Byrne y Peter Sinfield lo cual nos dice mucho de la talla este señor.

Brian Eno en su etapa glam con Roxy Music

Otras personas, si bien no saben mucho de su historia con Roxy Music, lo conocen por ser el “padre” o pionero de la música ambient debido a su constante experimentación en su carrera como solista. También es poco conocida su participación en una de las trilogías mas importantes de la historia del rock como lo es la “Trilogía de Berlín” a cargo de otro genio como David Bowie.
Con todo esto quiero decir que no estamos hablando de una persona que hizo algo bueno o bien en un breve momento dentro de nuestra historia como humanidad sino de alguien que desde distintos lugares dejó su huella sin importar el paso del tiempo y el tipo de proyecto que fuere.

Pero lo que nos interesa es su veta artística que se centra en la producción. Este lado de Eno comenzó allá en 1974 produciendo “Fear” el cuarto álbum solista de John Cale.

Lo que mas admiro de Brian Eno es su capacidad para afectar a una banda de una manera muy palpable y evidente. Muchas veces cuando leo o escucho que ciertos artistas están influenciados por cierto personaje o que cierta música suena a cierta otra cosa me parece que yo no logro escucharlo. Pero en este caso cada uno de los grupos de los que Eno se encargo de llevar su producción tienen sin duda alguna su sello, su marca personal que cambia el curso sónico de la banda para siempre ya sea para bien o para mal.

Brian Eno y a su lado David Byrne de los Talking Heads

Tomemos por ejemplo lo que hizo con los Talking Head. Ellos eran una banda de la oleada New Wave que tenían bajo el brazo un disco debut que había hecho algo de ruido y decidieron trabajar con Brian Eno para su segundo trabajo y así se dio comienzo a una trilogía. Con “More Songs About Food And Buildings” comienza esta historia. En este disco Eno tomó lo que la banda ya traía de punk, country, reggeae y funky bass y otras influencias e hizo de ello una mezcla mucho más consistente y adquirió así la música otro nivel sonoro en dirección hacia la progresión.

Pero el verdadero toque mágico vino con “Fear Of Music” en el cual tanto Eno como la banda coincidieron en que era momento de llevar su música mas allá de lo que venían haciendo y de eso resulta un disco que de principio a fin no tiene desperdicio. Es un álbum que combina los elementos más oscuros de la banda con un collage sónico poco visto (o escuchado) que va desde rasgos propios y básicos del rock, pasando por ritmos bailables y con toques de ritmos africanos. Realmente el disco resulta algo difícil de describir por el tipo de música que se oye que en todo momento pareciera que esta hecha sin mucho trabajo pero cuando uno quiere “desesestructurar” cada canción se encuentra ante la inmensidad de este disco que además no pierde nada de efectividad y siempre te engancha. Siempre pensé la música de los Talking Head como una bola de sonido coherente, un todo que avanza y te lleva al disfrute y al baile al instante que la escuchas. Eno fue vital para darle a este disco una forma sónica experimental comparado con lo que venia la banda componiendo. Pero ojo, las letras y las temáticas no se quedan atrás ya que David Byrne también saca lo mejor de sí y aborda todo tipo de temas, ya sea la atmósfera, el amor, la guerra, las ciudades y como no podía faltar, el disco también le hace un lugar al sin sentido.

En este proceso falta el magnus opus de la colaboración entre productor y banda, el álbum que culmina el recorrido y pone al grupo dentro de los mas grandes de la década y posiblemente dentro de la historia del rock. Hay que entender que no es SOLO por este disco sino que este disco lo confirma. Estoy hablando de “Remain In Light” en el cual la experimentación está a la orden del día y la banda continúa profundizando en cuanto a los ritmos africanos. Su idea era mezclar su música con esos ritmos y Eno cumplió un papel fundamental a través de sus técnicas de samples y loops. La ambición de esta empresa hizo necesaria la incorporación de músicos adicionales que se encargaran de la percusión, los vientos y los coros. Sin duda alguna este viaje que representa el disco es mejor escucharlo que tratar de enmarcarlo y delimitarlo en unas cuantas palabras.

Luego de su trabajo con los Talking Head el camino de Eno se cruzo con otra banda a la cual influiría notablemente. Estoy hablando de los muchachos de U2. Colaboró con ellos en seis discos: “The Unforgettable Fire”,” The Joshua Tree”, “Achtung Baby”, “Zooropa”, “All That You Can’t Leave Behind” , y en su ultimo trabajo “No Line on the Horizon”.

Esta unión la motivó el temor de la banda a encasillarse en un lugar, como tantas otras bandas de rock, y querer dar un giro hacia la experimentación en búsqueda de algo más artístico y rico en sonido y a quien recurrir sino a Brian Eno quien había demostrado saber algo de eso. “The Unforgettable Fire” demostró ser un cambio radical en la dirección a la que tenían acostumbrados a sus fanáticos mutando de un rock en el mas estricto sentido de la palabra hacia un sonido mas abstracto y ambient. En aquel momento el cambio fue un shock y como secuela de tanto revuelo el disco quedo encasillado como un álbum transicional, sin identidad propia y como una bisagra entre lo viejo y lo nuevo. En pocas palabras quedo en el olvido excepto el tema “Pride (in the name of love)” que esta en todos los grandes éxitos.

Luego vino “The Joshua Tree” en el que se alejaron un poco de lo experimental y optaron por canciones mas estructuradas, limitadas y se tiraron para el lado del blues, del rock, la música gospel con un acercamiento mas tradicional dejando de lado lo atmosférico. No hace falta hablar sobre lo que representa este disco, por lo que sólo me limitare a decir que para este momento los muchachos de U2 eran mas “músicos” que antes por lo que podían entenderse mejor con Eno (aporto a la causa con sus teclados) y así materializar su ideas en canciones.

El Brian Eno setentoso de Roxy Music

Si en ese momento los fanáticos pensaban que U2 había encontrado ya su forma definitiva estaban muy equivocados porque Eno y U2 tenían otra cosa en mente. Con “Achtung Baby” se volvieron mas experimentales que nunca, incorporaron elementos dance, electrónica, industrial y rock alternativo. A pesar de la inmensidad sónica que separa a este disco del anterior ambos son tenidos en cuenta como pilares fundamentales en la discografía de U2. Con su siguiente álbum “Zooropa” profundizaron en la experimentación teniendo como base la electrónica y el rock alternativo. En ambos discos Eno contribuyo también con su sintetizador y teclado.

Para alegría de muchos con “All That You Can’t Leave Behind” la banda volvió a su estilo mas tradicional, focalizado y estructurado.

La ultima colaboración entre Eno y U2 fue “No Line on the Horizon” que suena bastante etéreo como resultado de la banda experimentando con ritmos de África del Norte, aunque esa “experimentación” no la noto tanto y lo veo como un grupo de canciones sin forma.

El mas reciente truco de magia de Eno es su trabajo con Coldplayen “Viva la Vida or Death and All His Friends”. El vuelco musical, el giro de 180 grados que hizo la banda me sorprendió y lo aplaudí.

Sus discos anteriores tenían una vibra en común, un tono parecido. Eran un grupo de canciones que agradaban al oído pero sin inventarse nada nuevo y se habló mucho de si copiaban a U2 o a Radiohead. Claramente “A Rush Of Blood To The Head” utilizó la misma formula que “Parachutes” pero la banda subió un peldaño y se convirtieron en estrellas. “X & Y” es el punto bajo de su discografía (si me preguntan), y me pasa algo raro con este disco. Si escucho las canciones por separado cada una de ellas me suena bien y la disfruto pero si me aventuro a escuchar el disco entero se me hace denso, monótono y con una falta de ritmo que me llega a irritar. Pienso que los muchachos de Coldplay se dieron cuenta de lo mismo y decidieron pegar un volantazo como lo demuestra su último trabajo.

Ya se que muchos dirán que Coldplay no inventó nada nuevo pero hay que saber entender esta evolución dentro de los parámetros de la banda. A mi me sorprendió y mucho que la banda se decidiera por esa dirección mas que nada cuando me pongo a pensar en sus comienzos. “Viva la Vida” tiene su propio color, intenta transmitir un sentimiento distinto y la música por mas que retiene cosas marca “Coldplay” toma otro matiz que resulta evidente en canciones como “Yes” (no se por que me suena a “The Black Angel’s Death Song” de la Velvet), “Cemeteries of London”, “42” y “Viva La Vida”. Me gustó mucho también el detalle de que el disco comienza como termina ya que a pesar de ser un recurso empleado con anterioridad por varias bandas, no es tan común verlo hoy en día.

BOB ROCK: ¿Ángel o Demonio?

Además de ser reconocido como el productor de Metallica, este músico/productor/ingeniero de sonido canadiense produjo también a diversos artistas como Mötley Crüe, Bryan Adams, The Cult, Bon Jovi, The Offsrping y Michael Bublé (si, para morirse) entre tantos otros.

De los cuatro que componen esta revisión, Bob es el más controversial de todos. ¿Por qué? Para los “puristas” de Metallica básicamente lo que hizo fue vender a la banda. Hacerles cambiar, perder su identidad. Lo que el cambio trajo consigo fue la fama y la popularidad que convirtieron a Metallica en una banda mainstream. Hay que entender que en todo cambio se gana algo pero también se pierde algo.

Bob Rock y una rojiza Gibson Les Paul

La transformación de Metallica tuvo como consecuencia el dejar de lado lo “trash” y tomar una dirección mas comercial o “cuadrada” si se quiere ponerlo de alguna manera. Que fue efectivo, eso no se discute, pero los “puristas” no tienen al “Black Album” tan arriba como el resto de los fanáticos. La banda se había hecho una legión de fans en base a “trash metal” y todo eso pareció detenerse con el “Black Album”.

La vida tiene sus cosas graciosas. En un principio la banda solo quería a Bob para mezclar el disco y no para producirlo. Además, surgieron muchas tensiones entre la banda y el productor en todo el proceso y aun así (creo que mas que nada por el impacto del disco) decidieron continuar trabajando con él.

“Load” y “Reload” hicieron mas evidente el giro al alejarse un poco más de las raíces metaleras y adentrarse en una especie de hard rock y tonada blusera. Líricamente, en especial con “Load”, la letras son mucho mas personales e introspectivas. La típica batería de Metallica también sufrió las secuelas de toda esta movida musical debido a que Ulrich adopto un enfoque más minimalista.

Llego a ser tan alto el desprecio hacia Bob Rock que en una ocasión veinte mil fanáticos firmaron una petición online para pedirle a Metallica que se deshiciera de él debido a que tenia demasiada influencia sobre el formato y sonido de la banda. Este sector que yo llamo “puristas” considera que lo que es verdaderamente Metallica termina en “… And Justice For All” y el resto tiene tanto cosas buenas (partes del “Black Album” y “S&M”) como malas (“St. Anger”).

Creo que tanto ataque contra Bob es injustificado. Sí, tuvo su parte de culpa en cuanto a la influencia que tenia sobre Metallica pero tampoco hay que dejar de señalar que toda esta exploración que se dio post “Black Album” más que nada surgió del mismo seno de la banda. La búsqueda por nuevas cosas hizo que la banda encontrara en Bob al hombre indicado para acompañarlos en el proceso confiando en que si pudo orientarlos en el pasado (¡y de que manera!) podría hacer lo mismo. Puntualmente lo que hizo en el “Black Album” es discutible, te puede gustar o no pero creo que luego ya no debe recaer tanto sobre él “el martillo de los dioses”.

Tuve la oportunidad de ver el documental “Some Kind Of Monster” que me pareció bastante esclarecedor sobre la dinámica de la banda y la manera de ser de cada uno de ellos cuando las “cámaras” no están presentes. El documental nos muestra una banda resquebrajada por el alejamiento de Jason Newstead, su bajista, y el periodo de rehabilitación al que se somete Hetfield. Por esa época la banda se encontraba en un limbo y las tensiones entre Hetfield y Ulrich estaban como nunca. Es evidente que la banda había llegado a un punto de quiebre y es interesante ver su lucha por superar el bloqueo creativo mientras lidiaban con sus relaciones interpersonales. Acá es donde quiero hacer un alto y darle algo de crédito a Bob. La banda contrato a un “terapeuta” para ayudarlos a entenderse unos otros y en ese proceso él estaba involucrado. Ahora bien, siendo el productor no tiene nada que hacer ahí pero aun así hace un acto de presencia para poner manos a la obra e intentar salvar a la banda. Incluso al no contar con un bajista, Bob cumple esa función. El nexo entre banda-productor es demasiado obvio y en cierta medida hay que agradecerle por esa ayuda.

Finalmente logran grabar “St. Anger” y contratan a un nuevo bajista. “St. Anger” fue el ultimo disco que Bob Rock produjo y como era de esperar tuvo criticas muy variadas pero con tendencia negativa. El principal ataque fue dirigido hacia el sonido de la batería de Ulrich que suena como si tocara un par de latas, realmente es horrible. Luego de este disco los caminos de la banda y el productor se separarían y Metallica contrató a Rick Rubin para producir su hasta ahora último álbum.

Por Alias para fadmonkeys